JOHN BALDESSARI

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TEXT BY BARBARA ISENBERG | ARTWORK COURTESY OF JOHN BALDESSARI | ART


アーティストのジョン・バルデッサリは、人生を通じてウィットと知性と想像力を駆使し、アイデアに溢れたアートを創造してきた。アーティストとして成功する以前、彼は美術教師だったが、様々な世代の著名なコンテンポラリー・アーティストに対して、彼自身がそうしたように従来の表現技法を変え冒険するよう繰り返しアドバイスしてきた。彼は、今や昨秋の全米芸術勲章を始め、数えきれないほどの賞に輝く世界的な著名人である。彼の作品は個展で200カ所、グループ展では1000カ所以上で展示され、また85歳になった彼は今でもヴェニスの広々としたスタジオで仕事をしている。2メートル近くある長身の彼だが、本や雑誌や進行中の作品で散らかった机の椅子に腰かけ、そのスタジオで写真や絵画、文章を使用して、マルセル・デュカンプのコンセプチュアル・アートの伝統を再構築している。

Artist John Baldessari has spent a lifetime using wit, intellect and imagination to create an art of ideas. An art teacher before he became an art star, he has trained generations of high-profile contemporary artists to take risks with convention, much as he has. He is today an international celebrity, recipient of countless honors, including most recently a National Medal of Arts, awarded last fall. The revered artist has exhibited in more than 200 solo and 1,000 group shows and at 85 is still usually found at work in his spacious studio in Venice, California, his 6’7” frame folded into a chair behind a desk cluttered with books, magazines and work in progress. There, using photographs, painting and text, he carries on and reimagines the conceptual-art tradition of Marcel Duchamp.

Cutting Ribbon, Man in Wheelchair, Paintings, 1988/2007. Black and white photographs with vinyl paint. 76 x 36 inches
リボンカット、車椅子の男 絵画 1988/2007。白黒写真とビニル樹脂ペイント 76 x 36 インチ

スタジオは比較的広々としているが、ジャクソン・ポロックの伝記やフォスター・ウォレスの短編集等の書籍があちこちに置かれている。そして彼の正面の壁には、ニューヨークのマリアン・グッドマン・ギャラリーで10月に開催される展示会に向けて何点かの素案が掲示され、その壁の端にはフックに帽子が掛けられている。バルデッサリの説明によるとロバート・ダウニー・ジュニアが、彼にアート作品をあげると言ってこの帽子をくれたのだという。
 
BARBARA ISENBERG(以下BI):アート界においてLAの存在が今とは全く異なっていた60年代から今まで、あなたは南カリフォルニアでアート活動を継続してきました。ニューヨークで注目を浴びるのではく、最初はサンディエゴでその後はLAですが、カリフォルニアの方がもっといろいろな冒険ができると思いましたか?
 
JOHN BALDESSARI(以下JB):よいご指摘ですね。私は、まだカリフォルニアのナショナルシティに住んでいた時から自由な発想でいろいろ試してみたいと思っていました。ナショナルシティはサンディエゴの南の街で、誰も知りません。怖いものなどないのです。誰からも注目されていないのですからまったく自由に表現できたのです。
 
BI:アーティスト活動を始めた当初は、高校教師でいらっしゃったのですね。自分の趣味で始めたのですか?
 
JB:そうですね。1969年のある日ナショナルシティの自宅のまっさらな壁を見ながら、「何か突飛なことをやろう、私にはアートの基礎があり、キャンバスがあり、誰かにペイントしてもらって・・・」で、早い話、コンセプチュアル・アートができたのです。
 
BI:ナショナルシティからの長い道のりを経て、世界中で展示をされるようになりましたね。活動基盤をL.A.に移されましたが、LAでの生活や活動がアートに影響を与えましたか?
 
JB:その質問には、鮫に海水について質問するようなものだと答えることにしています。いつも一緒にいると分からないものです。
 
BI:L.A.は以前と変わりましたか?
 
JB:いろいろ変わりました。NYのアーティスト達がこちらに来て、展覧会を見て回るようになりました。欧州の人は、カリフォルニアは情熱的で、太陽に恵まれ、椰子の木があり、物価が安くて気候がいいと思っています。NYはもっと競争が激しいです。今でもNYの展覧会の方がLAの展覧会より格式高いと考えられますが、それは展覧会についてだけの話です。
 
BI:NYに住んでいたことはありますか?
 
JB:しばらくNYにも家があって、西海岸、東海岸に住んでいたこともありますが、NYで仕事はできなかったので引き払いました。
 
BI:活動を始めた頃、誰の影響を受けましたか?
 
JB:私がよりどころにしてきたのはいつもデュカンプです。カリフォルニア大学サンディエゴ校で教えていた頃、実際にジョン・ケイジに会いました。当時こちらに招聘されていたので。彼の著書「サイレンス」には大きな影響を受けました。またフィリップ・ガストンの大ファンでもあります。

The studio is relatively spare but books are everywhere, from a Jackson Pollock biography to a book of short stories by David Foster Wallace. On the wall in front of him are several possible images for an exhibition next October at the Marian Goodman Gallery in New York, and at the far end of the wall a hat on a hook. “It belonged to Robert Downey Jr.,” Baldessari explains. “He said, ‘I’ll give you some art,’ and he gave me his hat.”
 
BARBARA ISENBERG: You’ve been creating art in Southern California since the ’60s, when Los Angeles’ place in the art world was very different. Being away from the limelight of New York, first in San Diego, then in Los Angeles, did you feel you could take more risks?
 
JOHN BALDESSARI: Well, that’s a good question. I think the risk-taking part of my life was when I was still living in National City, California. It’s a burg south of San Diego. Who’s ever heard of National City? It was beyond risk. Nobody was looking, so what did I care?
 
BI: When you started out, weren’t you a high school teacher, just having fun?
 
JB: Yes. Then one day in 1969 I was staring at this blank wall in my house in National City and thinking, “What’s the most bizarre thing I can do? I could make language the basis for art, get a canvas and have somebody else paint it.” And there you have conceptual art in a nutshell.
 
BI: You’ve come a long way from National City, exhibiting throughout the world ever since. You’ve also been based in Los Angeles much of that time. How has living and working in Los Angeles influenced your art?
 
JB: I always answer that question by saying that a shark is the last one to criticize salt water. If you’re immersed in something, you can’t see it.
 
BI: How is Los Angeles different now than it was?
 
JB: Things have changed. New York artists come out here and sniff around for shows. Europeans think of California as romantic, full of sunshine and palm trees; it’s cheaper to live here, and there’s better weather. In New York, you have more competition. I think it’s still more prestigious to have a show in New York than it is in Los Angeles, but that’s about it.
 
BI: Have you ever lived in New York?
 
JB: I was bicoastal for a while. I had an apartment in New York, but I couldn’t work there. I gave it up.
 
BI: When you were starting out, who influenced you?
 
JB: My touchstone is always Duchamp. I actually met John Cage when I was teaching at UC San Diego and he was in residence there. His book Silence was very influential to me. Philip Guston has always been a huge hero.

The Duress Series: Person Climbing Exterior Wall of Tall Building / Person on Ledge of Tall Building / Person on Girders of Unfinished Tall Building, 2003. Digital photographic print with acrylic on Sintra. 60 x 180 inches
不法シリーズ:高層ビルの外壁をよじ登る人物、高層ビルの屋上の人物、建設中の高層ビルの梁上の人物。2003 デジタルフォトプリント アクリル塗料 シントラ。60 x 180 インチ

BI:アンディ・ウォーホールには影響を受けましたか?
 
JB:はい。大変影響を受けました。
 
BI:デュカンプとケイジとウォーホールには何か相通じるものがありますね。そう思いませんか?
 
JB:ええ。ある意味、型破りなところですね。ウォーホールが子供向けの挿絵を描いていた頃、彼が時代を象徴するアーティストとして名を遺すなんて、誰も思わなかったでしょう。でも彼はとても社会的な人物で、注目を集めるのが好きでした。
 
BI:あなたが長年教えてきたアーティスト達、多くの方々が成功を収めました。デビッド・セイル、バーバラ・ブルーム、マット・マリカンやジェイムス・ウェリング等。彼らからインスパイアされることはありますか?
 
JB:中でもデビッド・サーレは、カリフォルニア芸術大学の生徒の一人でしたが、興味深いトピックで明確にアートについて書いています。彼にはインスパイアされました。
 
BI:最近は何に興味を持っていますか?
 
JB:ジャクソン・ポロックとその師トーマス・ハート・ベントンに大変興味を持っています。まだあまり進んでいませんが、それが今取り組んでいることです。絵画と文章を発表することになると思います。
 
BI:以前何度も、言葉と映像はご自身にとって同じだとおっしゃっていました。それは今も変わらないでしょうか?
 
JB:ええ。そう信じています。
 
BI:だから今でもあなたが言葉と映像で表現している作品は変化し続けているのですね。

BI: Was Andy Warhol an influence?
 
JB: Absolutely. Sure.
 
BI: They have something in common, don’t they—Duchamp, Cage and Warhol?
 
JB: Well, a certain kind of irreverence. If you think about Warhol’s main reputation at the time as illustrating children’s books, and someone told you that he would become such an iconic artist, you’d say “No chance.” But he was a very social animal, and he wanted attention.
 
BI: When you look around at artists you’ve taught over the years, so many of them went on to distinguished art careers of their own, such as David Salle, Barbara Bloom, Matt Mullican and James Welling. Do they influence you?
 
JB: Among the smartest is David Salle, who was one of my students at CalArts. He writes very clearly about art on interesting topics. David influences me.
 
BI: What has captured your attention lately?
 
JB: I’ve been very much influenced by Jackson Pollock and Thomas Hart Benton as his teacher. I haven’t gotten very far, but that’s what I’m working on now. The show will be painting and text.
 
BI: You’ve said many times in the past that the word and image are pretty much equal to you. Is that still the case?
 
JB: Yes, I still believe that.
 
BI: Yet what you do with the words and images keeps changing.

Tips for Artists Who Want to Sell, 1966-68. Acrylic on canvas. 68 x 56.6 inches
画家が絵を売る秘訣 1966-68。カンバスにアクリル塗料。68 x 56.6 インチ

JB:アーティストは従来と同じことをしたがらないものです。だから前進と実験的な活動を止めないのです。私の作品は変化し続けていますし、これからもそうです。最終的にどうなるか分かりません。想像もつきません。
 
BI:以前、インスピレーションは溢れてくるものだとお聞きしました。
 
JB:頭の働きは面白いものです。新しい作品に取り組んでいて、トーマス・ハート・ベントンとジャクソン・ポロックの組み合わせを心の中で試しながら眠ろうとするのです。そうすると夜中には最高のアイデアだと思えることが、朝になって思い起こすと全然ダメだということが度々あります。しかし、まったく何も考えないことはできないし、無心になることはできないので、いろいろなことを思いつくのです。だいたいの場合、こういう結論になります。もしも今スタジオにいたなら、彼らアーティストと何ができるか。
 
BI:あなたは、最近美術品の購入を始めましたね。どうして始めたのですか?
 
JB:ジョルジョ・モランディの作品を最初に購入しました。直観でこれだと思いました。NYにいた時に、デビッド・ツウィルナー・ギャラリーで物色していて一目ぼれして購入しました。驚くような価格でしたが、とにかく買いました。
 
BI:つまり、お金をどう使うかということですね。
 
JB:ある意味そうですね。デビッド・プラツカーを覚えていますか?以前私のところで働いていて、今は近代美術館の絵画部門のキュレーターです。(作品を)私のスタジオに置いておくより、近代美術館ならばもっと多くの人に鑑賞してもらえるだろう、ということに気づいたのです。それでこれぞと思う作品を購入して彼に渡しました。彼が作品を探しているなら、「これを買ってくれないか?」と電話してくるでしょう。多くの人に観てもらうために、作品は手放したほうがよいのだと思いました。
 
BI:社会への還元でしょうか?
 
JB:はい、そう考えています。有意義なお金の使い方だと思います。また、信頼できる方々を理事に迎えて基金も設立しました。「誰にでも自由に基金を支給してください。皆さんを信頼して理事になってもらったのですから」とお願いしています。昨年は、約50万ドルをアーティストやアートスペースに支給できたことを喜ばしく感じています。
 
BI:それでは、あなたは個人で美術品を購入し、それを寄付しているのですか?
 
JB:他にお金の使い道がありますか?子供たちも独立していますし。現在フランク・ゲーリー設計の自宅を建設中です。
 
BI:名声は、むしろご自身の芸術活動の妨げになりますか?
 
JB:おそらくそうですね。刑務所の囚人と同じです。囚人の本能は、脱走しようという気持ちです。しかし、居心地が良くて十分に食事を与えられ、良い部屋を与えられれば、「どうして脱走する必要があるのだろうか?」と思うでしょう。脱走したくなくなるのです。
 
BI:ご自身の功績について考えたことはありますか?
 
JB:アートの歴史の中で、私を深く心に留めてもらえていることに一定の達成感があります。伝統の一部になれた気がします。

JB: Artists are artists because they don’t want to do the same art they’ve been doing, so they keep on pushing forward and experimenting. I keep on changing the work, and it will keep on changing. I don’t know how it will finally look. I have no idea.
 
BI: You told me once that you never wait for inspiration.
 
JB: It’s interesting how the mind works. I’m grappling with new work, and I sort of put myself to sleep trying out certain combinations in my mind, juxtaposing work by Thomas Hart Benton and Jackson Pollock. Quite often, like most good ideas at night, they’re rotten ideas in the morning. But I can’t think of nothing. I think it’s impossible to have a blank mind, so different things flash on your screen. Most of the time, it gets to this: If I were in my studio now, what would I be trying to do with these artists?
 
BI: You’ve also been buying art for the first time recently. How did that start?
 
JB: A painting by Giorgio Morandi was the first one, and it was instinctual. I was in New York, at David Zwirner Gallery, looking at things, and I just fell in love with it. I asked the price. He told me—I gulped, but I bought it.
 
BI: Well, that’s what money’s for.
 
JB: It is actually, in a way. Do you remember David Platzker? He used to work for me. He’s now a curator of drawings and prints at the Museum of Modern Art, and I figure more people would see a work there than they would in my studio. So I’ve bought certain artists’ works and just given them to him. When he’s looking for something, he’ll call me and ask, “Would you be up for buying this?” I thought it was better to give art away so more people could see it.
 
BI: Do you think of it as a way to give back?
 
JB: Yes, I think so. It’s a good use of money. I also have a foundation, and there are good people on the board. I said, “You give money to whoever you want. I trust you, and that’s why I have you on this board.” Last year we gave around $500,000 to artists and artist spaces, and I feel pretty good about that.
 
BI: So you’re buying art for yourself and giving away art?
 
JB: What else would I do with the money? My children are provided for. I’m building a Frank Gehry house.
 
BI: Does your fame get in the way of your art?
 
JB: Probably, in a bad way. The analogy is to somebody in prison. His natural instinct would be to try and escape, but if you treat him really well and feed him really well and give him better housing, he might think, “Why would I want to leave?”
 
BI: Do you ever think about your legacy?
 
JB: There’s a certain satisfaction to knowing you’re embedded in the history of art. I feel part of a tradition.